Rencontre avec l’artiste Daniel Engelberg

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Découvrez le travail de Daniel Engelberg, dont la magnifique œuvre abstraite ‘inandout #1’ est à l’honneur dans le cadre de notre campagne de la 15^e édition de l’Affordable Art Fair Brussels (7 – 11 février 2024, Tour & Taxis).  

Nous nous sommes entretenus avec cet artiste munichois afin d’en savoir plus sur son parcours, son travail, son processus créatif et bien plus encore. Voici les propos recueillis lors de notre entretien avec Daniel.   

Bonjour Daniel. Nous sommes très heureux de présenter votre travail pour notre campagne 2024. Tout d’abord, pouvez-vous vous présenter en quelques mots ?  

Je m’appelle Daniel Engelberg. Je suis né à Munich, ville dans laquelle je vis actuellement. Après mes études secondaires, j’ai commencé à étudier les sciences sociales, mais je me suis vite rendu compte que ce n’était pas fait pour moi. Je voulais travailler avec mes mains et construire ou créer des choses. J’ai dès lors décidé de m’orienter vers d’autres études et j’ai débuté une formation en sculpture sur bois à Munich. Ensuite, j’ai décidé de poursuivre mes études à l’Académie des Beaux-Arts de Nuremberg pour étudier la sculpture. J’ai ensuite commencé un Master dans la classe du professeur Claus Bury à Nuremberg, puis j’ai terminé mon Master à l’École des Beaux-Arts de Munich dans la classe du professeur Hermann Pitz. Depuis l’obtention de mon diplôme en 2013, j’exerce le métier d’artiste à temps plein.

Votre œuvre ‘inandout #1’ fait partie de la campagne de l’Affordable Art Fair Brussels de cette année. Pouvez-vous nous en dire plus ?

‘inandout #1’ a été réalisée à partir d’un panneau en bois. Les anneaux bleu foncé ont été coupés dans le bois et toute la surface a ensuite été colorée à la main à l’aide d’un pinceau. J’ai ensuite versé de la résine sur l’ensemble de la surface afin de créer une finition brillante. Cette œuvre s’inscrit dans la série ‘inandout #1’. J’ai actuellement réalisé trois œuvres dans le cadre de cette série, et je compte bien élargir cette série avec de nouvelles œuvres.

‘inandout #1’ est avant tout un ensemble de couleurs et de formes qui offre une impression de profondeur et de tridimensionnalité. C’est une œuvre plate, mais je veux que le spectateur ait le sentiment qu’elle comporte plusieurs couches; je veux qu’il soit, en quelque sorte, aspiré par la peinture. La répétition de ces anneaux donne une impression de profondeur. Les couleurs sont un dégradé, du clair au foncé, qui crée une illusion d’optique. Comme si une pièce se cachait derrière la surface. 

Quelle est l’inspiration derrière les différentes formes de votre travail ?

Derrière chaque série d’œuvres, on retrouve une idée et un contexte différents. Par exemple, l’idée de ma série d’œuvres composées de bâtonnets et intitulée ‘Modul-Objekt’ m’est venue par hasard. J’utilise des bâtonnets en bois pour mélanger les différentes couleurs que je crée pour mes œuvres. Pour certaines œuvres, je crée plus de 30 couleurs différentes. Lorsque j’ai fini de travailler avec une couleur, je jette toujours le bâtonnet sur ma table. À la fin de ce processus organique, je me retrouve avec une pile de bâtonnets colorés, et c’est ainsi qu’est née l’idée de cette série. 

De façon générale, je m’intéresse beaucoup aux structures architecturales. C’est la base de toutes mes réflexions. J’apprécie beaucoup le travail de mon ancien professeur à l’École des Beaux-Arts de Nuremberg, Claus Bury, qui conçoit et construit de grandes sculptures architecturales dans des espaces ruraux et urbains.

Durant mes études, je me suis intéressé aux formes architecturales que vous trouvez aujourd’hui dans mon travail. Elles sont toujours liées d’une manière ou d’une autre. En architecture, on retrouve des formes et des éléments récurrents. Je prends l’un de ces éléments, par exemple un anneau dans le cas de ma série ‘inandout #1’, puis je le reproduis en vue de créer une sorte de construction. J’essaie ensuite de mettre en valeur la forme obtenue avec les dégradés de couleurs.

Il est très important pour moi d’établir une passerelle entre la sculpture et la peinture. Je dis toujours que mon travail est une peinture à travers les yeux d’un sculpteur!

Quel est votre processus créatif?  

Je m’intéresse beaucoup à la construction de structures, et je commence généralement par un segment, une ligne ou une forme. Je conçois une forme sur mon ordinateur ou dans un carnet de croquis, puis j’essaie de la reproduire ou de la mettre à l’échelle jusqu’au moment où j’obtiens une structure. Lorsque j’ai le sentiment d’avoir un ensemble qui me semble équilibré, je commence à vraiment travailler sur l’œuvre.

Comment votre travail a-t-il évolué au fil du temps ?

Mon travail a beaucoup évolué. Comme je l’ai dit plus tôt, j’ai commencé mes études en sculpture traditionnelle sur bois. Cette expérience fut positive car elle m’a appris à travailler avec mes mains. Lorsque j’ai commencé à étudier l’art contemporain, j’ai dans un premier temps créé des installations spécifiques sur sites. J’ai créé de très grandes installations dans des espaces intérieurs. Elles ressemblaient un peu à une scène de théâtre. Les installations que j’ai créées n’étaient généralement utilisées qu’une seule fois dans un espace spécifique. Les visiteurs entraient dans la pièce et étaient complètement immergés dans l’installation. J’ai fait ce genre de travail pendant de nombreuses années.

Après mes études, lorsque j’ai commencé à travailler seul, les choses ont changé, et j’ai voulu tenter quelque chose de différent et faire évoluer mon travail. Pour mes installations, j’aimais utiliser des matières premières et des matériaux de construction que l’on trouvait dans une quincaillerie. Dans le cadre de mon travail actuel, je me suis d’abord orienté vers les couleurs de ces matériaux de construction. Il m’a fallu de nombreuses années pour arriver au travail que je réalise actuellement. Si vous regardez mon travail d’il y a 10 ans et mon travail actuel, vous ne penseriez pas qu’il s’agit du même artiste.

En tant qu’artiste, à quoi ressemble une journée type ?

Je dirais qu’il n’y a pas de journée type parce qu’il y a tellement de choses différentes que je dois faire, et chaque jour est complètement différent. Mais, une chose est sûre, c’est qu’il n’y a pas de week-ends ! Je dois aussi faire de la planification, du travail administratif et penser à mes galeries et à mes clients. Les jours que je préfère sont ceux où je me rends à mon studio, mais ce n’est pas toujours possible. Je possède un studio très calme, situé dans la banlieue de Munich où je peux être en paix et me concentrer sur mon travail.

Qu’est-ce qui vous plaît dans l’Affordable Art Fair?

Affordable Art Fair Brussels 2023 était la première fois que mon travail était exposé dans une Affordable Art Fair avec la Gallery Ritter. C’était une expérience formidable. L’ambiance était géniale à la foire. Nous avons rencontré de nombreux galeristes et artistes et nous avons eu des discussions passionnantes avec les visiteurs. Nous attendons avec impatience notre deuxième participation à Affordable Art Fair Brussels en février 2024.

N’oubliez pas de vous procurer vos billets pour la 15^e édition de l’Affordable Art Fair Brussels (du 7 au 11 février 2024, Tour & Taxis) pour admirer de près le travail de Daniel au stand de la Gallery Ritter.