Treffen Sie den Kampagnenkünstler Daniel Engelberg
Daniel Engelbergs abstrakte Kunstwerke sind Teil unserer Kampagne für die kommende Ausgabe der Affordable Art Fair Deutschland.
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Atena Abrahimia
Donnerstag 30 Oktober, 2025
Lernen Sie Daniel Engelberg kennen, dessen faszinierendes abstraktes Kunstwerk „Inandout #1“ im Rahmen unserer Kampagne für die erste Ausgabe der Affordable Art Fair Deutschland zu sehen ist.
Wir haben uns mit dem in München lebenden Künstler zusammengesetzt, um mehr über seinen Hintergrund, seine Arbeit, seinen kreativen Prozess und mehr herauszufinden. Lesen Sie weiter, um von Daniel selbst zu hören.
Hallo Daniel. Wir freuen uns sehr, deine Arbeit für unsere Kampagne 2025 vorstellen zu können. Kannst du uns zunächst ein wenig über dich erzählen?
Ich bin Daniel Engelberg und wurde in München geboren, wo ich derzeit auch wohne. Nach dem Abitur habe ich angefangen, Sozialwissenschaften zu studieren, aber ich habe schnell gemerkt, dass das nicht der richtige Weg für mich ist. Ich wollte mit meinen Händen arbeiten und Dinge bauen oder gestalten. Also beschloss ich, mein Studium zu wechseln und begann eine Ausbildung als Holzbildhauer in München. Danach entschied ich mich für ein Studium der Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg. Danach habe ich in Nürnberg in der Klasse von Professor Claus Bury meinen Master gemacht und anschließend an der Hochschule für Bildende Künste in München in der Klasse von Professor Hermann Pitz meinen Master abgeschlossen. Seit meinem Abschluss im Jahr 2013 bin ich hauptberuflich als Künstlerin tätig.
Ihre Arbeit „inandout #1“ ist Teil der diesjährigen Kampagne der Affordable Art Fair Deutschland. Können Sie uns mehr über dieses Werk erzählen?
Inandout #1“ ist aus einer Holzplatte gefertigt. Die dunkelblauen Ringe wurden in das Holz geschnitten und die gesamte Oberfläche wurde dann mit einem Pinsel von Hand eingefärbt. Anschließend goss ich Harz auf die gesamte Oberfläche, um eine glänzende Oberfläche zu schaffen. Das Werk ist Teil der Serie ‘inandout’. Zurzeit habe ich drei Arbeiten, die zu dieser Serie gehören, und ich werde diese Serie auf jeden Fall um einige neue Stücke erweitern.
Bei ‘Inandout #1’ dreht sich alles um Farbe und Form und den Eindruck von Tiefe und Dreidimensionalität. Es ist ein flaches Kunstwerk, aber ich möchte, dass der Betrachter das Gefühl hat, dass das Werk mehrere Schichten hat und in gewisser Weise von dem Gemälde aufgesaugt wird. Die Wiederholung dieser Ringe vermittelt den Eindruck von Tiefe. Die Farben verlaufen in einem Farbverlauf von hell nach dunkel und erwecken so den Eindruck einer optischen Täuschung. Es ist, als ob sich hinter der Oberfläche ein Raum befinden würde.
Was ist die Inspiration für die verschiedenen Formen in Ihren Arbeiten?
Jede Serie von Arbeiten hat ihren eigenen Hintergrund und ihre eigene Idee. Die Idee zu meiner Stabserie ‘Modul-Objekt’ kam mir zum Beispiel durch Zufall. Ich verwende Holzstäbchen, um all die verschiedenen Farben zu mischen, die ich für meine Arbeiten kreiere. Für manche Arbeiten verwende ich über 30 verschiedene Farben. Wenn ich mit einer Farbe fertig bin, werfe ich das Stäbchen immer auf meinen Tisch. Am Ende dieses organischen Prozesses habe ich einen Haufen farbiger Stäbchen, und so entstand die Idee zu dieser Serie.
wood, acrylics, resin, 80x68x2cm, Gallery Ritter
Aber im Allgemeinen interessiere ich mich sehr für architektonische Strukturen. Das ist die Basis all meiner Gedanken. Ich mag die Arbeit meines ehemaligen Professors an der Hochschule für Bildende Künste in Nürnberg, Claus Bury, sehr, der große architektonische Skulpturen in ländlichen und städtischen Räumen entwirft und baut.
Während meines Studiums begann ich mich für die architektonischen Formen zu interessieren, die Sie heute in meiner Arbeit sehen; sie sind immer irgendwie miteinander verbunden. In der Architektur findet man wiederkehrende Elemente und Formen. Ich nehme eines dieser Elemente, z. B. einen Ring im Fall meiner ‘inandout’-Serie, und wiederhole es, bis eine Art Konstruktion entstanden ist. Dann versuche ich, die Form mit Farbverläufen zu unterstreichen.
Es ist mir sehr wichtig, eine Brücke zwischen Bildhauerei und Malerei zu schlagen. Ich sage immer, dass meine Arbeit wie Malerei mit den Augen eines Bildhauers ist!
Wie sieht Ihr kreativer Prozess aus?
Ich interessiere mich sehr für das Bauen von Strukturen und beginne meist mit einem Segment, einer Linie oder einer Form. Ich entwerfe eine Form auf meinem Computer oder in einem Skizzenbuch und versuche dann, sie zu replizieren oder zu skalieren, bis sich eine Art Struktur entwickelt hat. Wenn ich das Gefühl habe, dass ich ein gutes Ensemble habe, das sich ausgewogen anfühlt, fange ich an, es vollständig zu bearbeiten.
Wie hat sich Ihre Arbeit im Laufe der Zeit entwickelt?
Meine Arbeit hat sich stark weiterentwickelt. Wie ich bereits sagte, begann ich meine Studien mit der traditionellen Holzbildhauerei. Das war gut, denn so habe ich gelernt, mit meinen Händen zu arbeiten. Als ich begann, zeitgenössische Kunst zu studieren, schuf ich zunächst ortsspezifische Installationen. Ich habe riesige Installationen in Innenräumen gemacht. Sie sahen ein bisschen aus wie eine Theaterbühne. Die von mir geschaffenen Installationen wurden meist nur einmal in einem bestimmten Raum gezeigt. Die Besucher betraten den Raum und tauchten völlig in die Installation ein. Diese Art von Arbeit habe ich viele Jahre lang gemacht.
Als ich nach dem Studium anfing, selbständig zu arbeiten, änderten sich die Dinge, und ich wollte etwas anderes ausprobieren und meine Arbeit weiterentwickeln. Für meine Installationen verwendete ich gerne Rohmaterialien und Baumaterialien, die man in einem Baumarkt findet. In meiner aktuellen Arbeit habe ich mich zunächst an den Farben dieser Baumaterialien orientiert. Es hat viele Jahre gedauert, bis ich zu der Arbeit gekommen bin, die ich jetzt mache. Wenn man sich meine Arbeiten von vor 10 Jahren und meine aktuellen Arbeiten ansieht, würde man nicht denken, dass es sich um denselben Künstler handelt.
Wie sieht ein typischer Tag für Sie als Künstlerin aus?
Ich würde sagen, dass es keinen typischen Tag gibt, weil es so viele verschiedene Dinge gibt, die ich tun muss, so dass jeder Tag völlig anders ist. Aber es gibt definitiv keine Wochenenden! Ich muss auch etwas planen, Verwaltungsarbeit erledigen und an meine Galerien und Kunden denken. Die besten Tage sind die, an denen ich es in mein Atelier schaffe, aber das ist nicht immer möglich. Ich habe ein sehr ruhiges Atelier am Stadtrand von München, wo ich mich in Ruhe auf meine Arbeit konzentrieren kann.
Besuchen Sie uns auf der ersten Ausgabe der Affordable Art Fair Deutschland, um Daniels Arbeiten am Stand von Color Crush Contemporary aus nächster Nähe zu sehen.
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